Animazione da posa a posa: una guida passo passo per principianti
Prima dell’animazione digitale, gli animatori dovevano disegnare ogni mossa da zero. Hanno sviluppato un metodo chiamato animazione da posa a posa, un approccio sistematico che li ha aiutati a realizzare molte delle produzioni animate più famose di tutti i tempi.
Ecco una panoramica di cos’è l’animazione da posa a posa e come puoi provare la tecnica per te stesso.
Che cos’è l’animazione da posa a posa?
Quando si anima da posa a posa, la maggior parte del tempo e dello sforzo dell’animatore è dedicato a disegnare i battiti “chiave” in una scena: un personaggio sconcertato che guarda negli occhi la telecamera o Re Artù che tiene Excalibur in alto sopra di lui quando si libera esso dalla pietra.
Con questi fotogrammi essenziali già curati, la scena inizia a fondersi e prendere forma. In un contesto di studio, agli animatori di livello junior viene quindi chiesto di colmare le lacune con gli elementi intermedi, accompagnando il pubblico attraverso ogni battuta. In altre circostanze, l’animatore originale torna semplicemente in se stesso. In ogni caso, il risultato è un’animazione completa.
Perché animare da posa a posa?
Pose-to-pose pone le basi per una grande animazione per alcuni motivi: il suddetto fattore della pianificazione è uno dei principali punti di forza. Un altro è l’allocazione dell’energia creativa. Qual è la differenza tra dedicare un’ora a un disegno e quattro ore a 200 disegni?
In quest’ultimo caso, i primi disegni saranno probabilmente buoni quanto quello disegnato nel primo caso. Dopo un paio d’ore, tuttavia, molti di noi perderanno naturalmente il gusto.
Per i momenti più drammatici ed emozionanti di un’animazione, ha senso concentrare i propri sforzi, delegando il lavoro più meccanico dell’intermediazione ad altri oa noi stessi in un secondo momento.
L’anatomia di una sequenza da posa a posa
Ci sono alcuni ingredienti che includeranno la maggior parte degli esempi di animazione da posa a posa. Esaminiamo ciascuno di essi.
Le pose chiave
Queste “miniature” di solito sono i momenti che trasmettono più significato ed emozione. Una realizzazione improvvisa, il picco di uno scoppio d’ira, o il secondo in cui un personaggio atterra dopo essere caduto da un dirupo, tutti qualificano.
La via di mezzo
Se il braccio è in alto nella prima posa e in basso nella seconda, devi riempire lo spazio intermedio con almeno un fotogramma in cui il braccio si trova da qualche parte nel mezzo. Più fotogrammi popolano questo spazio in mezzo, più fluida sarà l’animazione.
I guasti
Il collegamento a margherita di ogni fotogramma chiave può funzionare se stai animando qualcosa di molto semplice. Dopo alcune sequenze non interrotte da alcun tipo di azione secondaria o periodo di pausa, tuttavia, proverai un senso di “irrequietezza”. Le interruzioni danno al tuo pubblico il resto di cui hanno bisogno mentre digeriscono la tua animazione.
Agiscono come “fotogrammi chiave” tra i fotogrammi chiave. Prima che un personaggio reagisca a qualcosa, può rabbrividire, rimbalzare o battere le palpebre. Queste piccole azioni migliorano le loro prestazioni, rendendole meno noiose.
Come praticare l’animazione da posa a posa
Le tue tre principali priorità come animatore: tempismo, spaziatura e coerenza. L’animazione da posa a posa è la tecnica perfetta per un principiante che vuole rafforzare le proprie abilità in tutte e tre le aree.
Quando inizi per la prima volta, non c’è niente come imparare dai maestri. Cercare su Google il nome del tuo personaggio preferito dei cartoni animati seguito dalla frase “scheda modello” probabilmente farà emergere un tesoro di istruzioni tecniche su come costruire il personaggio in modo professionale.
In caso contrario, ti consigliamo un modello classico di Topolino. Una volta trovato quello che ti piace, avvia il programma di animazione che preferisci .
1. Scegli due posizioni chiave
Dopo aver scelto le tue pose, disegnale su due cornici diverse. Impegnati il più possibile in questi disegni chiave. La qualità in questa fase è fondamentale.
Qui puoi vedere che abbiamo mantenuto le cose molto semplici. Sfogliandoli avanti e indietro, diventa chiaro che due fotogrammi non sono sufficienti per raccontare questa piccola storia. Per creare un’animazione in loop, copieremo il primo fotogramma chiave e inseriremo un’altra istanza dopo la nostra seconda posa del fotogramma chiave. Alla prossima fase.
2. Aggiungi un’analisi (o più)
Interrompi questa semplice progressione con qualcosa nel mezzo delle prime due pose.
Ora, Mickey si ritrae prima di sbalordire. Le ginocchia si piegano e le spalle sono raccolte intorno al suo collo. Riproducendolo, la sequenza sembra molto meglio delle sole due pose dei fotogrammi chiave, ma c’è ancora la sensazione che qualcosa… manchi. In casi come questi, un’altra interruzione a volte sarà una soluzione appropriata.
Spostiamo questo primo guasto indietro di un pelo. Invece di saltare direttamente alla seconda posa del fotogramma chiave, possiamo farlo rimbalzare leggermente prima di atterrare sul suo palmo. Possiamo anche spingere indietro la seconda posa chiave e il fotogramma finale per avere più respiro.
Ora, ripeti la tua breve sequenza. Se l’azione sembra solida, tutto ciò che resta da fare è riempire gli spazi tra ciò che hai già.
3. Disegna alcuni elementi intermedi
Ti consigliamo di disegnare il tuo primo intervallo esattamente nel mezzo dello spazio che separa i primi due fotogrammi chiave nella sequenza temporale, comprese le interruzioni.
Una volta che hai qualcosa che li collega, guardalo un paio di volte e continua a riempire gli spazi vuoti fino a quando tutto inizia a riunirsi. Questa parte sarà autoesplicativa, specialmente se hai abilitate le sovrapposizioni della buccia di cipolla in qualsiasi programma di animazione che stai utilizzando. Tutto quello che devi fare è disegnare ogni parte del corpo tra gli analoghi che precedono e seguono.
Questi disegni di cianografia più sciolti e abbozzati sono chiamati “grezzi”, e giustamente. Non dovrebbero essere considerati definitivi, soprattutto durante questo processo esplorativo iniziale. Il loro scopo è mappare la sequenza attorno a ciascuna posa del fotogramma chiave. Alla fine tornerai su questi rough, aggiungendo azioni secondarie e ripulendoli ad un certo punto.
Concentrati meno sulla perfezione in questa fase e più sui tuoi fondamenti: azione ben resa a grandi linee e recitazione che sembra autentica.
4. Valuta e perfeziona
Dopo aver preso il tuo primo passaggio, dai un’occhiata a quello che hai. Se alcune parti ti sembrano troppo veloci, puoi continuare a spingere i fotogrammi in avanti, facendo spazio a più elementi intermedi. Lo stesso vale per le sezioni che si trascinano. Sentiti libero di reinserire alcune parti, anche eliminando quelle intermedie se necessario.
Una cosa degna di nota: noterai che non tutti i fotogrammi sono unici in questo frangente. Abbiamo alcuni frame “hold”; aria morta che impedisce alla sequenza di scorrere troppo velocemente. Questi possono o non possono essere ridisegnati mentre si continua. Tutto dipende dallo stile che stai cercando.
In teoria, non c’è davvero un traguardo. In questo esempio, potremmo sicuramente andare oltre, dandogli degli occhi, ad esempio, o aggiungendo i bottoni ai suoi pantaloni. Una cosa importante da ricordare è che una grande animazione non viene mai eseguita tutta in una volta. Non puoi aggiungere dettagli a qualcosa di amorfo e vago; bisogna sempre stabilire prima una solida base.
Padroneggiare l’arte dell’animazione
Un po’ di logica e pensiero creativo renderanno anche le scene più impegnative molto più gestibili. Ci sono pochi scenari in cui l’animazione da posa a posa non illuminerà, per lo meno, il percorso davanti a te.
Alla fine, probabilmente ti sentirai abbastanza sicuro da progettare la tua progressione di pose. Inizia con i primi due che puoi immaginare chiaramente e procedi esattamente come descritto qui. Con questi principi in mente, niente potrà fermarti.
